これまで菊地良博は音楽や美術のフィールドを自由に行き来しながら様々な作品を生み出してきました。
それらの作品一つ一つは常に先鋭的で概念的であり、多層におよぶ複雑な概念の向こうには限りない人間の創造性と自由な精神がいつも存在しています。このテキストはそんな菊地良博の作品をより深く楽しく理解して頂くために個展"Roman Collage"を開催するにあたり制作したものです。
writer : : 大澤紗蓉子 Sayoko Osawa
ゼロのフォルム I 大澤紗蓉子
絵のなかに、自然の一片、マドンナや恥知らずなヴィーナスを見るという心の習慣が消えるだけで、われわれは純粋で生きた作品に立ち会えるだろう。私は自分自身をゼロのフォルムに転換させ、ガラクタのつまったアカデミックな芸術のプールから引き出した…
カジミール・マレーヴィチ「立体派、未来派からシュプレマティズムへ、絵画における新しいリアリズム」1915年
私たちは、先人たちの様々なリアリティ（現実性）の提示により、芸術表現の多様性を享受し、いくつもの領域をクロスオーバーしながら、必要な情報と文脈だけを餌として自分の血肉とすることが許されている。菊地良博の作品からは、本人が活動する音楽や美術の領域に限らず、分類化もされずマスメディアにもすくい取られることのない、いくつもの科学、生命現象の影響が見られる。作品の形態は具象とも抽象ともとれるが、しかし、一貫していることは、そこに現実の対象物は存在しないということである。言葉による余計な説明など一切なく、菊地は、自身の精神に潜在する「視覚情報群」を、限りなく純度の高い状態のまま私たちの目の前に出現させている。
菊地良博は、日本の美術大学にて正規の美術教育を受けた経歴をもつ。しかし、菊地にとって美術大学という存在は、恐らく伝統的な美術の技術と知恵を伝えられるアカデミズムの場所としての機能は意味をなさず、言語レベルとは異なる思考方法と自己表現に長けた人間が集う場としての環境的意味合いが重要であったのだろうと推察される。その環境的意味合いというのは、合理性という、経済効果に沿った利益や実用性によらず、愚直なまでに自ら構築した原理と価値基準を深めることによって成長することが許される空間ということである。
この合理性によらない考え方は、美術作品が一般的な経済価値から見たとき、無意味と思える生産活動から発生するということに関係するだろう。一般的に、プライベート（個人）な記憶を持ち出し、それをパブリック（社会）に放つという行為は、社会的規範を掻き乱すという意味で許されない行為といえる。しかし、美術作品は、大きく捉えるとこれと同じ構造をもっている。生産されたもの、作品は、他者の役に立ち、生活の利便性を拡張させるものではない。ただ、アーティストは、その個人的記憶を生命の極限ラインまで掘り下げることによって生まれるイメージを抽出し、それにかたちを与えるだけである。この意味で美術大学と美術作品は、いわゆる「社会」とはひとつ距離を置いた存在といえる。
しかし、アカデミズムという既存のルールに従えば、社会と切り離されたその空間で、人は「アーティスト」として作品を作り続け、社会的認知を得ることができる。そこに広がる様式、技法、思考方法。芸術表現は多様であるという言葉がもてはやされる一方で、現代アートと呼ばれるものも、そこから離れることは難しく、作品は現実世界に視覚化された途端に歴史に回収され、容易く「伝統化」の道を進む。
このような状況を、「合理的に」伝えることのない美術教育の現場において、菊地は経済と密接に連動するグラフィックデザインを学ぶ環境にいた。経済価値や実用性といった社会の要請にこたえるための職業訓練に早い段階で失望した菊地は、そこを卒業すると同時に、「美術」と呼ばれる領域からは手を引くように離れてしまう。それは、菊地がアーティストとしてだけでなく、自身が恐ろしいまでに純粋な創造性を発揮することを欲し、合理性や実用性とは異なる価値判断によって動いているからである。
現在、そして恐らくこれからも菊地が生命エネルギーと創造の源泉とするのは、音楽的現象（雑音を含む、音響・音価などの音の組織体系）である。そこは造形表現よりも更に言語を超え、物質的形態から解き放たれた世界であるといえる。優れたドラム奏者でもあり、パフォーマーでもある菊地は、身体に直接響き、そこから直に感じ取れる要素だけを読み取ろうとしている。しかし、その場所も、物理的拘束からあらゆる現象を完璧に解放しない、という限界を菊地は十分に認識している。
菊地のもつこういった精神とそこから生み出される作品の関係を、「宗教」のようだと話す人に出会ったことがある。それは、恐らくここで連想される物質の「超越性」という考え方がきっかけになっているのだろう。声や音を反復させることによって生まれるリズムと、通常とは異なる身振りを反復させることで具体化するダンスによって、人は現実世界を超え出た体験を得ようとしてきた。理性では完全に捉えられない現象を深め、その先に見えるものは「光」や「神」と名付けられ、その決して触れられないヴィジョンは、現在でも人間の創造に深く関わっている。菊地の制作行為はこの構造に近いプロセスを経るがゆえに、そこからは、理性の境界を解体し、身体を駆け巡る知を構築しようとする特性を見出すことができる。
《ロマンコラージュ》と名付けられた作品は、一枚の紙面上で完結する造形ではなく、いくつもの互いに関連しない未分化の音韻が積み重なり、突然発生する音楽のようなコラージュの連続体である。コラージュというシンプルな行為は、主に写真や新聞の切り抜きなどの複製を用いて行なわれるが、菊地の場合、複製のイメージを流用するというよりかは、紙そのものの素材を変形させることに面白みがある。例えば、いくつかの紙をセロテープで繋げて折りたたみ、電子レンジにかけ、それを元の紙片に戻したという紙切れには、独特の焦げ、折れ目、紙のしなりが生まれている。または、ライターで簡単に燃やしただけのかたち、何かを描いた紙の断片でしかないもの、こういった戯れのような加工による構築と解体を重ねた末、それらは無意味な形態へと成り果ててゆく。ぎらぎらと視界に飛び込んでくる色彩のコンポジションか切り貼りのみで成り立つ造形。クロッキー（速画）の際に用いられる紙の上に貼られる、それら言語化以前の直接的イメージによるコラージュは、個体としての意味が出来上がることがないため、取って付けた文脈やマテリアリズムに陥ることはない。
これらが私たちの視界に現れるのは、制作順に番号のふられた名もない無数のコラージュが、菊地がコンピューターによって生みだした乱数列に沿って壁に並べられるときである。ランダムな配置はどこまでも意味を拒絶し、周囲に偶然おかれるコラージュの連鎖によって見出される関係性を、私たちは一方的に受けとめるだけである。理性で捉えられる絵画空間というものは存在せず、ゆえに容易な没入は許されていないが、それでも、《ロマンコラージュ》によって生み出される空間には、菊地が広大に神経組織を張り巡らすことで感じ取り、実現しようとしている、「理性的秩序の解体」、「身体知の構築」を感じ取ることができる。
FORM ZERO I Sayoko Osawa
Only with the disappearance of a habit of mind which sees in pictures little corners of nature, Madonnas and shameless Venuses, shall we witness a work of pure, living art.I have transformed myself in the zero of form and dragged myself out of the rubbishfilled pool of Academic art. Kazimir Malevich,From Cubism and Futurism to Suprematism: The New Realism in Painting (1915)
Enjoying as we do a wide range of expression in art, inherited in part through the vision of our predecessors and encompassing different ideas, we are selective in what we consume and integrate into our contemporary practice. When considering Kikuchi’s work it is possible to detect the influence of not only art and music that are his own acts, but several scientific and biological phenomena, preoccupations that often fall outside of the scope of contemporary cultural media. His work can be considered both realistic and abstract while remaining consistently non-referential – Kikuchi eschews words in expressing the spirit of his ideas preferring a purely ‘visual information set’. Kikuchi received a formal art education at the University of Art in Japan but he does not view the function of the academy primarily as an institution teaching traditional techniques and knowledge, but rather as an environment where individuals are enabled to express themselves visually. Independent of economic or even practical issues while studying this environment allows for a deepening of understanding about the choices and principles one needs to make as a basis for creating art. While the making of artwork may appear to run counter to the norms of economic production, and in general the releasing into the public domain of personal thoughts is discouraged where these may seem to challenge the prevailing social order, for the artist their work can serve this purpose regardless of whether it may be perceived as practical or convenient. Artists may reflect on issues that escape daily consideration and in doing so give their ideas form through the images they make, although this can result in art and art education appearing to exist at a distance from the society within which they exist. Academicism would suggest an ‘artist’ makes work at one step removed from society and is then rewarded for their effort through social recognition. Issues of style, technique and method are considered as important, preoccupations even contemporary art finds difficult to move away from, with the artwork made being seen and appreciated within a ‘traditional’ social perspective.
Kikuchi majored in Graphic Design and having been disappointed by an education which he perceived as focusing on transferable skills to satisfy social and economic demands he withdrew himself from the area generally regarded as ‘art’ soon after he graduated as his motivation resides in a deep desire to achieve a pure form of creative expression, one that differs in value from rational or practical values. Currently, Kikuchi’s inspiration comes from musical phenomena (sound systems including acoustics, note values, noise), a world perhaps even further removed from the linguistic than visual expression, and liberated from material form. As both drum player and performer Kikuchi seeks to interpret the resonance and immediacy of sound within his body although he appreciates that even here there are limitations in liberating form from the material in his quest for perfection. I met a person who described the experience of Kikuchi’s work as ‘religious’, a thought perhaps triggered by associations with material transcendence. Such transcendental experience has been aspired to through repetition of voice, sound and dance. Phenomena which defy comprehension through reason alone, and which may be associated with ‘light’ and ‘god’, also continue to inspire creativity to this day. This desire to make real the seemingly unattainable is present in the creative process Kikuchi employs, an attempt to deconstruct what takes place at the boundary of reason and represent the experience of sound as translated through the body. ‘Roman Collage’ is a series comparable to accidental music, composed of layers of unrelated and undistinguished sound elements rather than a form completed on a single sheet of paper. Such a seemingly simple act of making collages derives from Kikuchi treating paper as material and distorting what begins as fragments of reproductions, photographs and newspaper clippings. His process includes sticking together several sheets of paper with tape, folding and microwaving it, then unfolding to create peculiar burns, creases and bent shapes; or on other occasions burning a form with a lighter to create a fragment of drawing. Such playful manipulation of the collaged paper, with repeated construction and deconstruction, results in what might seem to be meaningless forms, but are worlds a blaze with colour. By composing in this way with paper and fragments of imagery, while the resulting form does not attempt to convey a singular meaning, it also avoids falling victim to a more materialist interpretation.
These collages, untitled save for numbers indicating their order of completion, are presented in a random order that Kikuchi determines by computer. This randomness requires the viewer to look at the work in a way that rejects a particular interpretation. As the pictorial space is intended to be irrational and non-empathetic Kikuchi seeks to make real his thoughts through a ‘decomposition of rational order’ in an attempt to ‘construct physical intelligence’.
